Chella ca guarda n’terra – Nelle gabbie ritmiche del femminile | TRA 17

Uno degli obiettivi di questa edizione di Testimonianze Ricerca Azioni – il festival di Teatro Akropolis, alla sua diciassettesima edizione – è mettere alla prova i confini dei linguaggi che danno forma al discorso artistico ed espressivo del contemporaneo, mettendoli uno di fronte all’altro, osservandone la forza dell’espressività poetica che sanno muovere. In questo, il sapiente lavoro portato in scena da Brunella Sabatino – Chella ca guarda n’terra, qui in prima nazionale – riesce a conciliare un’autentica consapevolezza dei linguaggi della danza contemporanea con la chiamata espressiva data dalla scena teatrale, imbastendo una performance solida che muove un aspetti e modi narrativi senza dover cascare nel didascalismo della rappresentazione. Complice una sapiente sottrazione degli elementi presenti in scena, Sabatino aggancia lo sguardo spettatoriale e lo traghetta lungo un percorso trasformativo che ha al suo centro un corpo agito e costantemente in tensione, un corpo che è elemento generativo di ciò che accade oltre che indice del sensibile di un mondo che vi si costruisce intorno.

Il discorso portato avanti dal lavoro di Sabatino muove su un’immagine di femminilità che è prima di tutto esibita, performata nel mondo in anticipo sul suo manifestarsi. Così vediamo un corpo che si pone e si impone, si muove con un misto di sicurezza e di inadeguatezza, entrambe orchestrate con perizia nel silenzio di un mondo scenico vuoto, il tutto per scaturire nel manifestarsi del femminile nei suoi effetti, espressi attraverso cucchiai che fuoriescono dal corpo stesso. La femminilità diventa qui un gioco di prestigio che sorprende prima di tutto chi lo esegue, quel corpo generativo da cui tutto ciò che esce – che l’occhio spettatoriale riconduce a elementi naturali, siano questi sangue, prole, latte, lacrime – si manifesta in cucchiai e cucchiaini: appena diventa generativo, il corpo femminile è mostrato nel suo venir usato per produrre, per sputar fuori quei cucchiai che sono immagine tanto del recipiente quanto del nutriente.

Così la ribellione: come una Medea la cui vendetta non ha un destinatario visibile – ma tremendamente presente – il femminile in scena prima organizza, ordina, accudisce ciò che è scaturito dal suo corpo per poi calpestarlo, in un gesto di rivalsa che non è rifiuto, ma autentico riconoscimento del sé. Qui il sonoro prende spazio, il corpo trova una voce e con essa cerca di cucire un’identità che si esprima nel mondo e, nel farlo, non può che usare ciò che ha generato. I cucchiai si trasformano in strumenti che scandiscono un ritmo via via più ipnotico, quell’imperfetto ritmo ricorsivo con cui è mosso il vivente, e che si ritrova a costruire gabbie attraverso cui il femminile è trattenuto, piegato, agito e, ancora una volta, chiamato a generare: questa volta però il corpo combatte, si mostra consapevole, si appropria delle aspettative dello sguardo e, esibendo sé stesso, fa rimare il visivo col sonoro, restituisce identità corporale a quella vocale. Il tutto senza cercare una risoluzione didascalica o incontrovertibile, ma aprendo con sincerità un’interrogativo su dove si collochi l’identità – di genere, ma non solo – in quel ritmo incessante, latente, che spinge i corpi al movimento sulla scena del mondo.

La costruzione dello spazio performativo e dell’identità visiva del rappresentato è estremamente consapevole, a partire dal “costume” che veste il corpo, un nero e asimmetrico feticcio della femminilità che simula sé stessa esagerandosi, sfidando l’equilibrio, costringendo alla tensione, lottando con la sua sola presenza contro il libero movimento. Al contempo, la scena grezza, essenziale, pensata in funzione al percorso che Sabatino vi compie all’interno, ha al suo centro lo strumento tecnico, anch’esso meccanismo generativo attraverso cui la voce del corpo diventa ritmo: una loop station – usata con notevole maestria – che non nasconde i suoi cablaggi, anzi, vi si aggiungono intorno cavi celibi, lì unicamente per esserci; l’effetto è quello di un organo cardiaco che pompa il suono dall’interno del corpo stesso, creando una sineddoche scenica in cui lo spazio del rappresentato è l’interiorità stessa del corpo che vediamo muoversi e generare initerrottamente.

Lavori come Chella ca guarda n’terra dimostrano l’esistenza vitale di percorsi di ricerca estremamente interessanti, il cui proseguo non può che essere avvincente, capaci di conciliare autentici interrogativi di stampo squisitamente filosofico – sul genere, sul segno, sulla corporeità – con l’accortezza del rendersi accessibili a ogni sguardo, arrivando immediatamente senza però dover scendere a compromessi espressivi. Merito di Teatro Akrpolis è ancora una volta quello di porre l’accento su queste realtà che nella sezione Limen del festival, dedicato alla danza under 35, trovano un denso spazio espressivo dove mettere alla prova i propri lavori e il proprio pubblico.